weblogart@yahoo.com


 

Alzek Misheff

Bellezza & Tecnologia

Il mondo contratto dalla velocita': le notizie lo attraversano e si consumano in un lampo. La Tecnologia porta alla comunicazione assoluta che collega sull’istante l’intera creativita' del globo, innescando nuove percezioni e nuovi parametri estetici.
L'artista Alzek Misheff fara' suonare 50 telefonini insieme al pianoforte.
Ore 18,30 - Museo della Permanente - via Turati, 34 - tel. 02 6599803
alzek-misheff@fastwebnet.it
http://www.lapermanente-milano.it

Nato a Dupniza in Bulgaria nel 1940, si laurea in pittura nel 1966 a Sofia presso l'Accademia di Belle Arti. Nel 1971 fugge dalla Bulgaria e arriva a piedi in Italia. Vive e lavora a Milano.

Conosciuto nell'ambiente artistico internazionale per il progetto "Swimming Across The Atlantic", eseguito nella piscina del transatlantico Queen Elizabeth 2 nel 1982, in viaggio sulla rotta tra Londra e New York.

Nel libro "Europa-America - The different avant-gardes" edito da Franco Maria Ricci, 1976, Achille Bonito Oliva lo inserisce tra i trenta piùr appresentativi artisti europei.

Tra le sue performance più significative:

"Musica del cielo", concerto-installazione del 1979 nella Piazza del Duomo di Milano. Replica nello stesso anno anche al Mills College di San Francisco e alla Irvine University (nei pressi di Los Angeles).

E' stato invitato alla Biennale di Venezia 2000, dove ha realizzato "Proliferante verità del sentimento": immerso in un cilindro trasparente pieno d'acqua ha suonato con Lightning II (un controller a infrarossi) e ha diretto il quintetto "The Swimmers" (Maurizio Barbetti-viola, Rocco Parisi-clarinetto basso, Riccardo Sinigaglia-pianoforte, Maurizio Deho-violino).

Nel maggio del 2005 al Padiglione d'Arte Contemporanea di Milano il "Concerto per violino Stradivari, pianoforte Disklavier e quartetto di violini telefonini" con il violinista Eugene Sarbu, premio Paganini.

from wikipedia

via undo.net

Africa Unite


per guardare il video clicca sull'immagine / click the image to see the video



Speciale per lifegate Africa Unite



Gli Africa Unite con il loro nuovo lavoro "Controlli" in vendita nei migliori negozi di dischi dal 7 aprile sono stati gli ospiti della puntata del 15 maggio di "RockFiles Live!", il radioshow condotto da Ezio Guaitamacchi, e registrato alla Salumeria della Musica di Milano, che va in onda sulle frequenze di Life Gate Radio (questa puntata verrà trasmessa il 22/5 dalle 23).

Chi volesse partecipare gratuitamente ai concerti di
"RockFiles Live!" deve inviare una prenotazione all'indirizzo rockfiles@lifegate.it.

vai al sito di lifegate e ascolta alla radio


e-zine calabria164

La e-zine calabria164 empezará a circular, a partir de esta edición, por las corrientes virtuales de Internet hasta llegar a tu vida, y generarte la necesidad de volver a leernos en junio. Para este primer número, la Luz nos inspiró para explayarnos a lo ancho en cada una de las secciones, y ser pared en blanco para que artistas de Europa y América Latina presenten sus diseños / fotografías / dibujos. De ahora en adelante, te damos la bienvenida a calabria164.
¡Enjoy it!



Experiencias Maldita luz
Curiosidades Sobre ruedas + Orbe ambiental
Cultura Sol todo poderoso
Crítica Bajo el Foco
Actualidad Con luz propia + Lux2006
Editorial
Zona Expresión
Quien es quien

FIASCO SYSTEM 17

FIASCO SYSTEM 17
http://www.fiascosystem.com/
http://www.myspace.com/fiascosystem

Jeudi 25 mai à la Flèche d’Or
De minuit a l’aube / entrée gratuite

Live
MY ROBOT FRIEND (Soma - NYC)
CANDIE HANK (Wwilko, Gagarin - ALL)

DJ sets
ELECTRONICAT (Disko B - FR)
MISS LE BOMB (Erkrankung Durch Musique – ALL)
EVA REVOX (Fiasco System – FR)

Visuels
MUSCAE VOLITANTES (UK)
MARCO TULIO THRASH (Drifting Disco - FR)


MY ROBOT FRIEND (Soma - NYC)
http://www.myrobotfriend.com/
http://www.myspace.com/myrobotfriend
Voir un concert de My Robot Friend est une expérience hors du commun.
Résolu a subvertir le monde artificiel de l'entertainment, My Robot
Friend pratique une forme de terrorisme ludique qui tient autant de la
performance avant-gardiste que du show electropop, à grand renfort de
prouesses pyrotechniques. Son univers musical rappelle à la fois Devo,
Kraftwerk, Soft Cell, Laurie Anderson ou les B 52's. Quant à son
personnage scènique aux diodes rouges clignotantes, il pourrait sortir
d'une serie B de science-fiction des années 80. My Robot Friend a
assuré les premières parties de Matthew Herbert, Le Tigre ou Scissor
Sisters et collaboré avec Matmos, Zombie Nation et Antony (and the
Johnsons). Son prochain album Dial 0 sort le 29 mai sur le label Soma.

CANDIE HANK (Wwilko, Gagarin - Berlin)
http://www.nokay.net/candiehank/
http://www.myspace.com/candiehank
Patric Catani commence à faire de la musique très tôt avec les fameux
Commodore 64 et Amiga 500, passant de l'univers du jeu vidéo à des
premières expériences techno gabba. Rapidement, le bad boy poursuit ses
délits dans divers projets à Berlin, notamment avec EC8OR et Flex
Busterman, signés sur DHR, le label d’ Alec Empire. Patric Catani a
récemment donné libre cours à sa vision décalée de la booty bass en
compagnie de Gina V. D'Orio (Cobra Killer, EC8OR) sous le nom de
A*Class. Avec Candie Hank, Catani propose un show excentrique et
joyeusement grotesque, entremélant sans complexe electro 8-bit,
breakcore, french pop, booty et sucreries psychédéliques sur fond de
cut-ups vidéos kitsch. Son talent hors normes lui a valu de collaborer
avec Peaches, Gonzales, Angie Reed, Felix Kubin et Puppetmastaz.

DJ sets
ELECTRONICAT
http://www.electronicat.com/

MISS LE BOMB
http://www.misslebomb.net/
http://www.clublebomb.com/

EVA REVOX
http://www.misslebomb.net/htmls2/evarevox.html
http://www.radiocampusparis.org/?p=755

Visuels
MUSCAE VOLITANTES (UK)
MARCO TULIO THRASH (Drifting Disco - FR)
http://www.driftinginparis.blogspot.com/

La Flèche d’Or 120 rue de Bagnolet Paris 20
Metro Alexandre Dumas ou Porte de Bagnolet
http://www.myspace.com/flechedor

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75Hertz
http://www.75hertz.com

Local live

new earth map from windows
http://local.live.com

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DANM Festival Symposia

The DANM Festival Symposia will include 5 panels about Digital Arts and New Media theory and practice.

FRIDAY May 5:
Venue: UCSC, Studio C, Communications Building


I.
DIGITAL CARTOGRAPHIES
(12.30 to 2.30 pm)

  • Chaired by Ted Warburton (Assistant Professor of Theater Arts, UCSC, DANM Faculty)

Digital Cartographies” presents a dialogue between performing and digital artists about global trends in new media & digital art theory, production, and education. We begin by asking who, where, and why are we creating digital art for live performance purposes? What is it like to be a creative artist in an international context? What kinds of international experiences, organizations, and connections help us map the worlds of new media and digital arts? How do our practices and experimentation at the crossroads of art and technology – individually and collectively, locally and globally – create catalysts for cultural exchange and understanding?Participants include digital video and sound artists, performing artists and choreographers working in international contexts.
Panelists:
  • John Crawford (Assistant Professor of Dance & Media Arts, University of California, Irvine)
  • Martin Gotfrit (Director, School for the Contemporary Arts, Simon Fraser University, Canada)
  • Lisa Naugle (Associate Professor of Dance, University of California, Irvine)
  • Sommer Ulrickson (Visiting Lecturer, UCSC, Choreographer, Berlin, Germany)

II. THE ART OF BIOLOGIES AND ENVIRONMENTALISM
(3.00 to 5.00 pm)
Venue: UCSC, Studio C, Communications Building

  • Chaired by Elliot Anderson (Assistant Professor of Electronic Media Art Deparment and DANM Program, UCSC)

21st century art has opened the fields of the natural and biological for conceptual inquiry and as materials for creativity. Biotechnologies are one the means of creation and site investigation for the individuals participating in this panel. These artists work in varied aspects of biology and art from environmentalism to neurology. The structure of the panel will begin with brief presentations by the artists about their practice and research followed by a round table discussion of ideas, issues, and strategies addressed by their artworks.
Panelists:

  • Oron Catts, Artistic Director SymbioticA - The Art & Science Collaborative Research Laboratory, Art School of Anatomy & Human Biology, University of Western Australia, and an artist who is currently working on the collaborative artwork The Tissue Culture and Art Project.
  • Beatriz da Costa, Assistant Professor, Departments of Studio Art, Electrical Engineering and Computer Science and Associate Director of Arts Computation Engineering (ACE) Graduate Program, University of California, Irvine.
  • Kim Stringfellow, Assistant Professor (multimedia), School of Art, Design and Art History, San Diego State University and is a collaborator in Invisible-5 project. Invisible-5 investigates the stories of people and communities fighting for environmental justice along the I-5 corridor, through oral histories, field recordings, found sound, recorded music, and archival audio documents. The project also traces natural, social, and economic histories along the route.
  • Gail Wight, Assistant Professor, Department of Art & Art History, Stanford University.
    SATURDAY May 6:
    Venue: UCSC, TA Media Theater M110

III. ALGORITHMIC METHODS AND MODELS IN THE ARTS
(10.00 am to 12.00)

  • Chaired by
David Cope
  • (Professor of Music, UCSC, DANM Faculty)
Theoretical and practical perspectives on the use of algorithmic techniques in the making of diverse forms of art. Themes will include machine creativity and artificial intelligence, the interactive potential of algorithmic processes, and the embodiment of mathematical principles in sound and visual media.

Panelists:
  • Harold Cohen (Artist, Professor Emeritus, UCSD)
  • Jason Freeman (Composer, Sound Artist, Assistant Professor of Music, Georgia Institute of Technology)
  • George Legrady (Professor of Interactive Media, Media Arts & Technology (MAT) Graduate Program, UCSB)

IV. AUDIBLE TERRAIN: SHIFTING GROUND IN CONTEMPORARY SOUND PRACTICE
(1.00 to 3.00 pm)

  • Chaired by Ed Osborn (Assistant Professor of Electronic Media, UCSC, DANM Faculty)

The scope, positioning, and practice of the sonic arts has grown significantly over the last decade and the kinds of works produced within it are widely divergent. While creative sound work was previously defined in a tangential relation to music, visual arts, film, video, and theater, the current state of practice shows many possible approaches to the production of sound art that are largely separate from these existing fields without also providing definitive boundaries for it.
Panelists will present one facet of the contemporary sound world (i.e., a particular work, artist, or exhibition, area of research or activity) that they find particularly compelling or problematic. These presentations will serve as a springboard for wider discussions about the current state of creative sound practice within and across disciplines


Panelists:
  • Paul DeMarinis (Associate Professor, Art Department, Stanford University)
  • Jim Haynes (Sound Artist, Writer, San Francisco)
  • Nigel Helyer (Sculptor and Sound Artist, Sydney, Australia)

V. THE ROLE OF VIRTUOSITY IN A TECHNOLOGY-ENHANCED PERFORMANCE - (3.30 to 5.30 pm)
Digital technology can dramatically expand the range of expression available to a live musical performer. Instruments with internal state and new ways to sense gesture can be coupled with a broadened palette of synthesized sounds and imagery, allowing 21st century musicians to summon up patterns of sensory stimulation with minimal need for bodily effort or manual dexterity. Do these new abilities signal the end of the importance of virtuosity? This panel will explore the changing role of virtuosity in musical performance. Participants include musical composers, performers, and digital toolmakers, whose work spans a spectrum in its degree of technological infusion. Topics of discussion will include: how virtuosity and new technological musical instruments and experiences are related, audience-performer connection in the digital age, and what new opportunities for live performance may arise in the future.

Panelists:
  • Chris Chafe (Director, Center for Computer Research in Music and Acoustics, Duca Family Professor, Stanford University)
  • Peter Elsea (Director, Electronic Music Studios, UCSC, DANM Faculty)
  • Fred Frith (Composer, Improviser, Multi-Instrumentalist, and Professor of Composition, Mills College, Oakland, California)

made in Milan .... in New York

Madeinmilan in New York



> May 25, 10 am - 7 pm
501 punti di design public interactive graphic performance

501 punti di design, after three editions (Milan Design Week in April 2005; Dinamismi Museali - Soneria Mannelli (CZ) August 2005; ArteFiera Bologna in January 2006), goes to New York.

A hands-on creative visual experience hosted by the Minister of graphics of Milan (an association dedicated to promoting visual communication as a strategic discipline). Italian and New York graphic designers have been invited to design whatever their imagination suggests on a grid of 501 points logos, icons, writings. The result is a combination of numbers that trace the thought images on themes of Passion, Italian Spirit, Design, Belief and Fear.

A drawing pen and a code will be the public's tools with which we will invite them to trace the hidden images between the almost infinitive possibilities offered by the 501 points on the grid, dynamically creating an exhibition of oneself.

During the exhibition, it will be possible to connect to www.501puntididesign.org and play online with an interactive poster; simultaneously play with other people on the internet, and with the exhibition visitors in a multi-customer dimension. The web sites will be projected by video during the exhibition, creating a wonderful interactive experience.

With: Air Studio, Husmann-Benincasa, D-Sign, FM studio, GUM, Leftloft, Limbo, Molotro, Mucca Design NY, Marko Simic, Zetalab.

> May 20 - 12 am - 5 pm
Segni di memorie art performance in collaboration with Corriere della Sera
Gianluigi Colin, art director of Corriere della Sera, creates a unique work of art using old pictures, documents and letters.


www.madeindesign.it

Le installazioni multimediali di Studio Azzurro guideranno il visitatore in un suggestivo viaggio all’interno del territorio milanese, dalla città, alla provincia, alle Alpi, al Ticino e all’Adda. Oltre 120 oggetti di design, selezionati da un comitato scientifico presieduto da Gillo Dorfles e coordinato da Aldo Colonetti, allestiti da Studio Origoni e Steiner, saranno esposti insieme ai modelli di Giovanni Sacchi, allo stampo di un’opera di Arnaldo Pomodoro, alla rappresentazione delle eccellenze del territorio. Alcune icone dell’industria creativa milanese si alterneranno ai volti degli artigiani e degli imprenditori, ai marchi delle imprese.
La mostra proseguirà in Canada, a Toronto, e in altre città del Nord America.



STUDIO AZZURRO INSTALLATIONS
by Paolo Rosa http://www.studioazzurro.com/

The multimedia set of MILANOMADEINDESIGN exhibit is in charge of Studio
Azzurro. Thanks to its breath the inspiration for preparing the space and
the exhibit journey comes from a rush of wind: images and ideas fly
between the items on show.
The set is also inspired by Leonardo Da Vinci and his taste: it reminds us
of a huge Renaissance workshop filled with products, tools and a flow of
unique and unmatched resources.
Visitors will experience an imaginary journey between past and future,
where products get animated while crossing the territory. Their light and
immaterial movements will plunge visitors right into the creative climate of
ideas and wisdom, history and technique that generated the exciting
adventure of design and that continue to innovate it.
Transparent and light sheets will capture the portraits of the protagonists
into their own drawings.

SATIRO DANZANTE

SATIRO DANZANTE

A Milano, dal 24 maggio al 30 giugno, presso iGuzzini Partner Assistance (via San Damiano 3), è esposta la copia della scultura del Satiro Danzante di Mazara del Vallo, opera risalente al IV-III secolo A.C. attribuibile a Prassitele.

L’’esposizione fa parte del progetto
Conoscere la forma che si sviluppa secondo due direttrici : “Forme da vedere”, il modello di un’opera d’arte viene letto da alcune personalità del mondo dell’arte e “Forme da toccare”, da un’idea di Giorgio Accardo, lo stesso modello dell’opera d’arte viene messo a disposizione per essere toccato e percepito da non vedenti per sottolineare che la conoscenza passa anche attraverso l’uso di altri sensi, non solo della vista.

É il Satiro Danzante di Mazara del Vallo


Hanno scelto di illuminare il Satiro:

- Vincenzo Cerami, giornalista e scrittore
- Gillo Dorfles, critico d’arte e storico del design
- Angelo Mombelli, dirigente nazionale sezione italiana per la prevenzione della cecità
- Paolo Moreno, archeologo

www.iguzzini.it

TOKYO GRAFFITI

Coming To the White House

Pokemon Devil presents:
TOKYO GRAFFITI
Opening Night - Friday May 26 6-9pm
Japanese Hip Hop all night w/ DJ Jichael Mackson (JAP)
Continues every Friday from May 26 - June 16, 11am-6pm

Australian based Japanese graffiti writer Pokemon Devil sets up in the
White House this May to deliver a survey of some of the most sneakily
placed, bizaare and progressive Japanese graffiti writing bursting out
of Tokyo and Osaka today. With a bank of images by a selected range of
some of Japan's most prolific night-time invaders, come and witness
Pokemon Devil's resource of literally hundreds of photos of intrusions in
subways, shopping malls, Purikura booths, toilet walls, highways
bi-ways and colorful Shibuya alleyways. This comprehensive overview covers
everything from stylised hip-hop influenced graf to the raw, almost
hieroglyphic mark-making and graphic patois of hobos and street wanderers,
all made in strict violation of Japan's tough anti-everything laws.
Come along to the opening night party to see the damage and headnod
with Dj Jichael Mackson spinning the latest and crunchiest in Japanese Hip
Hop all night!

@ The White House
info@whitehousespace.net
www.whitehousespace.net


Also, remember to come and check out 'The Cell', the White House's
microshop of artist-made music, soft sculpture, toy design, books, comix,
zines, clothing and other curiosities. OPen every friday from 11am-6pm,
inside the gallery! Come up the stairs, don't be afraid!

Massimo Festi - Is the party over?

Massimo Festi
Is the party over?

In linea con i concepts di Orfeo Hotel, tra i quali le tematiche identitarie come specifiche caratterizzanti le proposte espositive, Is the party over? personale di Massimo Festi, e’ un contenitore epistemologico comprendente molti degli elementi volti a definire l’identita' della nostra societa' contemporanea.


Is the party over? trasforma gli spazi di Orfeo Hotel in scenari post party, il percorso espositivo si sviluppa tra i postumi di una festa, incontrando, quasi casualmente tra coriandoli, posaceneri pieni e bicchieri sporchi, i personaggi che l’hanno animata. Icone statiche, pseudo ritratti di ragazzi, ragazze, anche un vecchio, che Massimo Festi ci presenta attraverso la tecnica della tecnopittura, dipinti elettronici dove i volti, spesso mascherati, si stagliano bidimensionalmente su sfondi importanti, textures di carte da parati che l’artista cerca nelle case o crea lui stesso.
La festa, limbo terreno, mondo intermedio, stato d’animo, condizione psichica, e’ simbolo della nuova societa’ dell’effimero nella quale viviamo e della quale siamo protagonisti troppo attivi e troppo stimolati, dove il consumismo ha democratizzato l’idea di felicita’, dove tutti ci sentiamo spesso soli.
Is the party over? diviene contesto metonimico e metaforico, del nostro tempo, epoca poco contemporanea a se’ stessa all’interno della quale noi vaghiamo ancora tra i detriti di un passato romantico, giustificando la nostra solitudine, ricercando la nostra liberta’, costruendoci la felicita’, adottando una identita’.

Con i suoi pseudo ritratti Massimo Festi incarna l’umanita’ delle “big issues" odierne creando una sorta di “commedia umana contemporanea" della quale l’artista diviene interprete sensibile.

La maggior parte di questi personaggi indossa una maschera, non piu’ per nascondersi ma per presentarsi nella loro vera identita’ come antieroi censurati che hanno smesso di credere di essere liberi, menomati nel loro non poter lasciarsi andare completamente.


La protagonista di “la festa e’ finita" rimanda all’antieroina, manifesto stravolto nell’immaginario collettivo della consapevole lacerazione tra il nostro animo, ancora romantico, e il nostro corpo, immerso nella ferocia dei consumi sessuali, nella volubilita’ del desiderio fattosi legge comportamentale, causa di un enorme volume di sofferenza psichica e di malessere sociale.

I quit" ci parla di anticonformismo, forse come reazione alla realta’ di giorno in giorno piu’ precaria e sconvolgente, “Bunny Boy" e’ simbolo di sensualita’ libera, forse conseguenza della deriva voyeuristica della nostra societa’ nell’era della soap opera in diretta.

Figura fuori contesto, o meglio, perfettamente calata nel contesto strabico e atrofico di questo tempo appare il vecchio di “No mask no party", sguardo triste e rassegnato di borghese, politico o pensionato qualunque, senza piu’ la maschera, usata probabilmente durante tutta la vita per copripre la sua corruzione, l’assenza di valori, dubbi e compromessi, che ormai non gli serve piu’.

Del tutto in sintonia con l’attuale contesto culturale sempre piu’ mutevole, labile e aperto, l’ambigua “Yakuza", orientale vestita da uomo che racchiude molteplici significati: la confusione e la malleabilita' dei sessi, parallela a quella dei generi, l’ascesa economica della Cina, la sua presenza forte e le conseguenti opportunita' e minacce che questa apertura comporta.
Il rosso protagonista di “Senza parole" sembra incarnare gli stereotipi del “worried happiness", felicita’ preoccupata, persone insoddisfatte dalla societa’ odierna, afflitta da rischi globali e problematiche nazionali ma soddisfatte della propria vita.
Dall’aria stanca e gli occhi gonfi, nel suo monito di fare silenzio sembra zittire coloro che abbiano intenzione di lamentarsi.
La protagonista di “Today I am a woman" rappresenta lo stereotipo di tutte quelle vite dall’identita’ non bene definita, tipiche di coloro che non sono cio’ che sono o che sono cio’ che credono di essere.

Parti integranti di Is the party over? sono un video “reality" girato negli spazi di Orfeo Hotel durante “la festa" della sera prima, e un momento performativo con la partecipazione di Silvia Guandalini: nella realta’ discordante del post festa e’ rimasto qualquno, un’eroina dall’aria confusa che pare chiedersi cosa sia rimasto di vero.

Is the party over? La festa e’ finita? E adesso? Le questioni che ci pongono questi interrogativi divengono pretesti di riflessione sulla nostra situazione attuale, risultato di un passato appena trascorso e punto di partenza del futuro imminente.


Isabella Falbo


Opening 25 Maggio h.18:00

Orfeo Hotel - via Orfeo 4/a - Bologna


PATRICK TUTTOFUOCO

A soli trent’anni (è nato a Milano nel 1974), e dopo solo 4 anni dalla sua prima importante mostra personale nello Studio Guenzani a Milano), Patrick Tuttofuoco si va proponendo come una delle personalità più interessanti della nuova generazione italiana.


Originale è la manipolazione di carattere "ludico" della tecnologia (macchine e strutture rotanti in alluminio e plastica, mutazioni di luci artificiali) per creare ambientazioni di sentore neofuturista, ma con nomadismo postmoderno. Installazioni anche interattive, come le grandi sfere di vari colori ammassate nella collettiva di cinque giovani artisti italiani alla Biennale di Venezia 2003, in rappresentanza ufficiale dell’Italia (a cura di Massimiliano Gioni): il pubblico era sollecitato a far rotolare e mutare di posto le sfere.

Nel 2002, Tuttofuoco aveva conseguito a Torino il premio della Regione Piemonte partecipando alla mostra di giovani artisti italiani a cura di Francesco Bonami, presso la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo: una installazione luminosa e sonora, un "lavoro carico di energia positiva" nel verdetto della giuria internazionale.

Nel 2001, l’artista ha realizzato anche un video, "Boing", viaggio immaginario nello spazio virtuale del computer, presentato al Centro di Arte contemporanea di Ginevra.


news - Mercoledì 24 maggio alle ore 18, presso la Triennale di Milano Stefano Boeri, direttore del mensile Domus converserà con Patrick Tuttofuoco, autore di Revolving Landscape, catalogo della omonima mostra in corso fino al 4 giugno 2006 alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino. Electa pubblica il ‘diario’ del viaggio compiuto da Patrick Tuttofuoco intorno al mondo.

Tre mesi, dieci paesi, diciassette megalopoli – da Milano a Rio de Janeiro – che l’artista ha attraversato insieme ai due registi Mattia Matteucci e Damaso Queirazza e all’architetto Andrea Pozzato tra ottobre 2005 e gennaio 2006.

Il quaderno di appunti, dal formato tascabile, è stato ideato e disegnato dallo stesso Tuttofuoco e include anche le foto della mostra, diventando così parte integrante di un ampio progetto che comprende l’esperienza del tour e l’esposizione di Torino.
Nel testo confluiscono una quantità incalcolabile di suggestioni e forti impressioni raccolte durante il viaggio sotto forma di scritti e immagini. Ne risulta un lavoro carico di energia, il riflesso di una cultura giovane, tecnologica e collaborativa in perenne evoluzione.

I testi sono composti da interviste veloci oltre che agli stessi compagni di viaggio, a personaggi quali Andrea Branzi, Professore Associato alla III Facoltà di Architettura e Disegno Industriale al Politecnico di Milano, Yona Friedman, architetto e artista, Marco de Michelis, storico dell’Architettura alla Università IUAV di Venezia, l’architetto Cino Zucchi ed altri ancora.

A queste si alternano messaggi dì email densi di commenti e sensazioni suscitate dall’impatto con le grandi città.
Le centinaia di immagini scorrono rapidissime come fotogrammi e colgono la varietà di tutti i paesaggi con le loro architetture e le figure che le abitano. Ogni città è come un paese a sé stante, con le proprie leggi e regole, i propri confini invisibili, la propria politica ed economia sotterranee.

Leggi l'intervista a Tuttofuoco su teknemedia magazine

MOTTA LECTURES

Annuncio RADIO online

per le MOTTA LECTURES

incontri con architetti alla triennale di Milano
si parte con Peter Wilson

http://www.exibart.com/audio-eventi/Motta-lectures.mp3

MixedMedia a Milano

Associazione Culturale Countdown presenta:
evento di cultura elettronica
un progetto di Bibo Durio Consolo e Paolo Rigamonti

25-28 Maggio 2006
Hangar Bicocca – Milano

www.mixedmedia.it

MixedMedia, evento internazionale di new media art, architettura, sound e audiovisivi, si terrà a Milano dal 25 al 28 maggio 2006 all’Hangar Bicocca, Viale Sarca 336, in presenza della spettacolare installazione I Sette Palazzi Celesti di Anselm Kiefer
Orario Mostre: 12.00 – 19.30, orario Concerti: 20.00 – 01.00

L’idea è di creare un evento ad edizioni dedicato alla divulgazione dei valori e dei contenuti della cultura del presente, accessibile al grande pubblico, attingendo da diverse sfere di azione denominate media art, architettura, sound e audiovisivi in cui la rassegna è stata suddivisa. Il numero zero di MixedMedia, con la direzione artistica di Paolo Rigamonti, si propone quindi come un concentrato di proposte di qualità in grado di aprire la strada a future edizioni che possano sempre più contribuire a consacrare Milano come centro di interesse per le attività creative e professionali legate all’elettronica e al digitale.

Obiettivo fondamentale dell’evento è la crescita del dialogo intorno ai nuovi media, attraverso un approccio creativo e inaspettato alla tecnologia, avvicinando le persone a interagire con essa attraverso modalità di dialogo e confronto.

Gli inglesi utilizzano il termine “mixedmedia” ovvero “tecnica mista” per indicare l’utilizzo di tecniche diverse in un’opera d’arte. L’idea è di giocare su questo nome sia per indicare la composizione dell’evento (costruito su proposte e ambiti eterogenei) sia per indicare all’opposto, il raggiungimento di risultati differenti delle esperienze proposte, se pur utilizzando lo stesso medium.

La proposta per Media Art, curata da Silvio Mondino, con il coordinamento di Tiziana Gemin, che avrà luogo nell’area espositiva dell’Hangar Bicocca, sarà rappresentata da alcune installazioni multimediali e da una selezione di lavori di software art, vivendo i suoi momenti più affascinanti con le installazioni di Jim Campbell, Aether Architecture, Interaction Design Lab, dotdotdot, Lemur e Osman Khan e i lavori di software artists quali Lia, Dextro, Daniel Rothaug, qpqpqp, Meta, Alessandro Capozzo e Fabio Franchino tra gli altri.

La sezione di Architettura, curata da Gianluca Milesi all’interno dell’area espositiva dell’Hangar Bicocca, si snoda invece attorno a una affascinante e innovativa e-mostra, in cui 20 architetti di fama internazionale tra cui Nox, Diller e Scofidio + Renfro, Archi-tectonics, DECOI, M&A, UN Studio, Zaha Hadid, Eisenman Architects, Asymptote e Massimiliano Fuksas tra gli altri, forniscono una panoramica critico-ricognitiva sul rapporto tra architettura, design e digitale, attraverso i loro lavori elettronici commissionati, curati e gestiti unicamente via e-mail ed esposti solo con tecnologie digitali (monitor, video, software).

La sezione di Sound e Audiovisivi infine è curata da Marco Mancuso, direttore del progetto di cultura digitale e arti elettroniche Digicult e della rivista mensile di DigiMag che attraverso 3 serate incentrate su performance audiovisive elettroniche, fornirà una panoramica quanto più esaustiva possibile sulle pratiche di sperimentazione nei moderni live multimediali. Chiamati a rispondere a questa sfida affascinante, nell’area stage dell’hangar prospicente le Torri di Kiefer, alcuni dei nomi più importanti del panorama internazionale quali Ulf Langheinrich, Skoltz_Kolgen, Scanner, Edwin van der Heide, Addictive Tv, Suguru Goto, Ryoichi Kurokawa, Franko B, Purform, Eboman, Tez, Otolab e Echran.

Digital Creative Map, a cura di Maria Grazia Mattei, è un’iniziativa che si articola all’interno dell’evento MixedMedia per valorizzare il patrimonio di esperienze di realtà produttive e creative presenti sul territorio.

Il progetto vuole offrire un punto di vista diretto sullo stato della ricerca tecnologica e creativa applicata alla realizzazione di contenuti multimediali.

Il progetto si articola in tre momenti tra loro complementari prevede un programma-visita nei luoghi della produzione digitale milanese, un’installazione interattiva per la ricerca e la consultazione dei dati e un convegno.

MixedMedia è un progetto di:

L’associazione culturale Count Down.

Nata nel 1997 ha pubblicato un semestrale di interpretazione poetica dedicato ai Six Memos for the Next Millennium di Italo Calvino.
Unico esempio di editoria sperimentale non in lingua inglese ospitato nel bookstore del Museum of Modern Art di New York, ha segnato una tappa nell'invenzione di un'editoria cartacea con modalità di redazione allargata di tipo web. Distribuito in Italia da Feltrinelli è stato esposto nel 2003 al Centro di Arte Contemporanea Le Papesse di Siena e al Museo di Arte Contemporanea di Varese come esempio di editoria interattiva.
Count Down è stata fondata da
Vittorio Andidero, Alessandro Consolo e Massimo Randone.

PROGRAMMA DEI CONCERTI -
MixedMedia Sezione Sound e Audiovisivi
Prevendita biglietti Ticketone: www.ticketone.it

GIOVEDI’ 25 MAGGIO
Echran - S/t live set
Edwin Van Der Heide - Laser Sound Project
Ryoichi Kurokawa - Live audiovisual set
Purform - Black Box

VENERDI’ 26 MAGGIO
Suguru Goto – Body Suite Performance
Otolab – Op7
Skoltz_Kolgen - Askaa
Addictive Tv - Live DVJ set

SABATO 27 MAGGIO
Eboman - Sensor Madness Show
Scanner + Tez - Blindscape (Generative Live Cinema)
Ulf Langheinrich - Drift
Franko B - djset / Tina Frank - vjset

Le quattro giornate dell'evento, attraverso mostre, incontri, seminari, concerti e ambienti visivi e sonori, vogliono quindi cercare di suggerire stimoli utili per stabilire percorsi e connessioni fra le parti, aiutando a individuare le modalità con cui il 'digitale' sta modificando le strutture culturali e le modalità percettive della società moderna.

IN TRANSIT 06 Festival


IN TRANSIT 06 Festival Tanz - Performance - Musik 24.05.2006 - 04.06.2006

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"In Transit" heisst Durchreise, Umbruch oder Umschlag.
Das internationale Festival IN TRANSIT sieht sich vor allem als Ort des Dialogs mit Tanz- und Theaterschaffenden aus Kulturen im Um- und Aufbruch, dieses Jahr mit einem grossen Brasilien-Programm - aber auch mit aktuellen Produktionen aus Asien und Afrika.


Vom 24. Mai bis zum 4. Juni präsentiert das fünfte Festival IN TRANSIT im Haus der Kulturen der Welt (HKW), Berlin, 20 aktuelle zeitgenössische Tanzproduktionen und vier musikalische Ballrooms, diesmal mit dem Schwerpunkt Brasilien, sowie zahlreiche Diskussionsforen und Lecture Demonstrations im WissensLab mit Sarat Maharaj.


Das Festival unter der Leitung von Johannes Odenthal eröffnet mit der herausragenden Stückfolge CURSIVE: A TRILOGY der Cloud Gate Dance Theatre aus Taiwan und einem Konzert des brasilianischen Popstars und Kulturministers Gilberto Gil .

Dieses Jahr ist IN TRANSIT Teil von Copa da Cultura , dem Kulturprogramm Brasiliens zur Fußball-WM 2006. Die weiteren Bausteine dieser umfassenden Präsentation brasilianischer Kunst und Kultur im HKW sind die Reihe “Musica Popular Brasileira” (10.6.- 8.7.) und die Ausstellung “Tropicalia - A Revolution in Brazilian Culture” (11.6.-9.7.) aus London.

Brasilien verfügt über eine der vitalsten und vielfältigsten Tanzszenen der Welt.
Die Identität dieser jungen Nation stützt sich u. a. auf ein enorm dynamisches Körperbewusstsein, das viele soziale Bereiche vom Karneval bis zum Sport prägt.

Im Zentrum der von IN TRANSIT 06 vorgestellten Stücke steht der virtuose, aber auch der zerbrechliche, der verwundete Körper. Die konzeptionell-drastische Arbeit von Lia Rodrigues thematisiert die ambivalente Lust am Betrachten von (inszenierter) Gewalt.
Die bereits mehrfach nach Berlin eingeladene Gruppe Cena 11 zeigt eine Weiterentwicklung ihrer radikalen Körperforschung.
Ismael Ivo , Deutschlands bekanntester Künstler brasilianischer Herkunft, zeigt die Wiederaufnahme einer seiner ersten Choreographien, 1980 entstanden, die den Ausgangspunkt seiner Karriere und einer neuen, expressiven Tanzsprache markiert.


Ebenfalls bei IN TRANSIT 06 zu sehen sind die drei derzeit besten Produktionen junger, afrikanischer Choreographen, die am 29. April bei der renommierten 6.
Plattform Danse en Creations / Danse l’Afrique danse! (22.-30.4.) in Paris ausgezeichnet wurden. Aminata Traore, Robyn Orlin, Gordana Vnuk u. a. gehörten zur Jury für die Endauswahl, für die sich 98 Gruppen aus 30 Ländern bewarben. Unmittelbar im Anschluss gingen die prämierten Compagnien von Andreya Ouamba (Senegal), Orchy Nzaba (Kongo Brazzaville) und Panaibra Gabriel (Mozambique) auf eine umfangreiche Tournee.

In Transit 06 zeigt die Deutschlandpremiere des Programms.

Der Taiwaner Lin Hwai-min zählt zu den bedeutendsten Choreografen der Tanzwelt.

IN TRANSIT 06 freut sich besonders, dass es gelungen ist, mit der Europapremiere von CURSIVE: A TRILOGY sein Cloud Gate Dance Theatre an das Haus der Kulturen der Welt zurückzuholen, wo es 1997 erstmalig in Berlin auftrat. Die drei Teile von „Cursive“ basieren auf der Philosophie des Kalligraphierens, einer in China über Jahrtausende hinweg entwickelten, hochabstrakten Kunst zwischen Schrift und Malerei. Tänzer schreiben mit ihren Körpern, Körper verwandeln sich in tanzende Zeichen, die Bühne wird zur Leinwand des Choreographen. Konzentrierte Stille, poetisch-schöne Bilder und immerzu fliessende Bewegungen zeichnen dieses einmalige Opus Magnum aus und zeigen Lin Hwai-min auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Die drei Teile der Trilogie werden vom 24. bis 30. Mai im Haus der Berliner Festspiele gezeigt.

Mit dem Laboratorium führt IN TRANSIT die Debatten der letzten Jahre zu den Themen aktueller künstlerischer Transformationsprozesse in Ostasien, dem indischen Subkontinent, dem Nahen und Mittleren Osten, Schwarzafrika und Lateinamerika zusammen.
Im Zentrum stehen Fragen an die Konstruktionen von Körperbildern, Identitäten und deren Bezug auf die Vorstellungen des jeweils Anderen.


Der Ballroom ist der Treffpunkt bis in die Nacht: Die brasilianische Mischung von Rap, Hip Hop, traditionellen Gesängen, Tänzen und Instrumenten, Turntables, Samba und seinem ebenso rhythmischen Vorläufer Maracatú. Mit Samba de Roda de Nicinha , Daniel Haaksman , Nelson Triunfo + Mamelo Sound System und Jazzanova , Baile Funk , Maracatu + DJ Dolores .

http://www.hkw.de/de/index.php


get wired


Farid Rahimi, Giovanni Kronenberg e Hiraki Sawa

Lo Studio Guenzani presenta nella sede di via Eustachi, i video di tre giovani artisti: Farid Rahimi, Giovanni Kronenberg e Hiraki Sawa. La mostra si svolgerà in tre periodi distinti, ognuno dedicato ad un artista. La prima inaugurazione si terrà mercoledì 24 maggio, dalle ore 18.30 con Farid Rahimi, seguiranno l’inaugurazione di Giovanni Kronenberg giovedì 8 giugno e infine Hiraki Sawa lunedì 26 giugno, sempre negli stessi orari.


Il video "Untitled" di Farid Rahimi mostra due scene misteriose ed enigmatiche. Una doppia proiezione , di cui una descrive l’ambientazione di un piccolo stagno artificiale e l’altra una scena drammatica.
Risultato finale di un lavoro di progettazione di un intero lungometraggio, del quale solo una sequenza è stata girata, il video mostra le azioni di un uomo che, in un luogo isolato, sposta un imballo dall’evidente forma umana e lo getta in una piccola pozza d’acqua. Il lavoro è concepito come un’atto di verifica della costruzione e controllo di più immagini in sequenza. Se il contenuto è nato inizialmente su un piano ideale, la scrittura, solo attraverso la messa in scena di una parte del progetto narrativo, ha reso visibile e controllabile il soggetto. Rendere manifesta la parte drammatica di una storia senza motivarne o introdurne la consequenzialità degli accadimenti, sposta il contenuto del video a una leggibilità tutta di superficie. L’attenzione si concentra allora sullo scorrere delle scene e sulla fotografia suggestiva delle immagini. Ad accentuare l’ambiguità del significato del video, l’imprevedibilità delle situazioni che sfuggono dal controllo e la casualità di elementi che entrano nelle inquadrature senza essere previsti. Aspetti che, a posteriori, arricchiscono e accrescono la ricerca dell’immagine perfetta ambita dall’artista.

Giovanni Kronenberg
espone due recenti video in animazione 3D. Pur mantenendo una precisa autonomia contenutistica, questi due lavori dialogano tra loro nell’indagare un soggetto caro all’artista: le relazioni ambigue e spesso inconciliabili che legano le persone di diverse generazioni, marcandone differenze, schizofrenie e discrepanze. Queste contrastanti e spesso disarmanti emozioni si rivelano proprio nei momenti in cui, di fronte agli accadimenti quotidiani, si prova stupore e si reagisce differentemente a seconda dell’età e della circostanza. “Tutto quello che ti hanno raccontato da bambino” (2005), descrive la gestualità di un vecchio e di un bambino mentre pescano. Visivamente accattivanti e suggestive, studiatissime nei dettagli e particolari, le brevi scene portano con sè l’abissale distanza tra la pacatezza ed essenzialità delle azioni dell’anziano e l’euforia e stupore del bambino. Anche nel video “Il gigante di condensa” (2006), viene sottolineata la distanza emotiva tra giovinezza e vecchiaia attraverso il modo totalmente differente in cui una donna anziana e una giovane coppia reagiscono allo scoppio improvviso di un temporale. Venati di malinconia e spesso nostalgici, molti lavori di Kronenberg si caratterizzano per una costante ricerca di rendere condivisibili frammenti intimisti dell’esistenza, interstizi che proprio per la loro sottile evanescenza catturano la profondità delle relazioni tra le persone.

Hiraki Sawa
presenta il video “Blue Floor”, del 2005. Paesaggi artificiali e inediti, spazi domestici e immaginari che si sovrappongono, popolati di presenze, scenari evocati dai ricordi: l’immaginario di Hiraki Sawa si traspone nella realtà quotidiana e viene rappresentato nei suoi video come elemento appartenente alle parti più nascoste dello spazio, esteriore e interiore. Visioni costantemente in bilico tra ciò che è reale e ciò che il reale nasconde. In questo senso le opere di Hiraki Sawa contengono echi e suggestioni surrealiste e oniriche. Girati all’interno dell’appartamento dell’artista, i video diventano un viaggio verso altri spazi e dimensioni pur mantenendo ancorate le immagini a luoghi conosciuti e familiari. Un mondo parallelo che l’artista indaga sentendolo vivo e popolato di presenze, suggestioni e sviluppi autonomi. Senso di ironia e distacco convivono nei video di Hiraki Sawa con elementi più intimi e struggenti che offrono molteplici piani di interpretazione delle sue opere. Nel video “Blue Floor” una figura evanescente si allontana prospetticamente verso uno spazio completamente buio, privo di riferimenti, contemporaneamente, un’altra immagine affiora lentamente dal fondo, rivelando, mano a mano che diventa visibile, i tratti di un’enigmatico paesaggio immerso in una fredda luce blu, attraversato da una figura a cavallo. Un’immagine estraniante, che non esaurisce tutti i suoi aspetti nel venir rivelata ma, al contrario, evoca la possibilità di essere ulteriormente sviluppata.

Farid Rahimi
è nato a Losanna nel 1974. Vive e lavora a Milano.
Giovanni Kronenberg
è nato a Milano nel 1974. Vive e lavora a Milano
Hiraki Sawa
è nato a Ishikawa, Giappone, nel 1977. Vive e lavora a Londra.

Orari: dal martedì al sabato, dalle 15 alle 19.30. La mattina su appuntamento

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