weblogart@yahoo.com


 

Warhol TV

Warhol TV propose d’éclairer une facette encore peu explorée de l’oeuvre de cet artiste phare du XXe siècle qui a été sensible à toutes les formes d’expression de son temps et a marqué de son empreinte la création télévisuelle américaine dans les années 1970 et 1980.
Surtout connu pour ses représentations des icônes de l’Amérique moderne, comme les célèbres boîtes de Campbell Soup, ou les portraits de Marylin Monroe, Andy Warhol (1928-1987) a entrepris dès les années 1960, de saisir l’image de son temps à travers le dessin, la peinture, la sérigraphie, la photographie, l’archivage, les publications, l’enregistrement audio, le film ou encore la vidéo.
Ancré dans « la société du spectacle » qui le captivait, et résolu à dissoudre la frontière qui sépare culture savante et culture populaire, il fonde en 1969 la revue Interview, consacrée aux célébrités et à la mode. Par son ton – uniquement des entretiens avec des personnalités – et par son graphisme, elle marquera profondément les années 1970 et sera le prototype de ses émissions de télé.
Fasciné par la télévision depuis les années 1950, comme le confirme son journal intime – son célèbre Diary –, Warhol se tourne en 1973 tout naturellement vers ce medium de masse par excellence pour en faire le vecteur de ses obsessions. Pour Warhol, la télévision est le moyen idéal de donner un prolongement à Interview : poursuivre le procédé de l’interview et rendre compte de la diversité des pratiques artistiques qui se développent alors, tant dans le domaine des arts plastiques et du cinéma, que de la musique ou de la mode, mais aussi élargir son audience au plus grand nombre et introduire l’instantanéité qui manquait à la version papier. C’est à travers la production télévisuelle de Warhol que l’exposition tentera de dresser un portrait de l’artiste.
Judith Benhamou-Huet, commissaire de l’exposition, a sélectionné pour les visiteurs/téléspectateurs de la maison rouge les extraits les plus représentatifs des différentes étapes de sa production télévisuelle.
Ils sont proposés sur de multiples écrans, projetés ou diffusés sur moniteurs, dans une scénographie qui privilégie le confort. Pour la première fois, la majorité des programmes a été traduite et sous-titrée en français.







La Maison Rouge - Paris - Warhol TV

Unite For Hunger And Hope

BlogCatalog is launching its first coordinated campaign Bloggers Unite For Hunger And Hope on April 29.

BlogCatalog and Heifer International are partnering to call for the end of world hunger and start of hope on April 29. All we ask is that you join thousands of other bloggers and write a post about world hunger on April 29.

Unite For Hunger And Hope // Bloggers Unite

Metrocult Day

La non stop telematica della creatività milanese vi aspetta sabato 18 aprile dalle ore 15.00 alle ore 21.00 allo Spazio Oberdan, in viale Vittorio Veneto 2

metrocult - MetroCult - Buone Pratiche e Progetti di Cultura Metropolitana

DEJ Digital Entertainment Jam a Milano

Televisionet e il Beijing Institute of Fashion&Technology sono lieti di presentare la 3^ edizione mondiale, per la prima volta in Europa, del DEJ Digital Entertainment Jam, che si svolgerà a Milano dal 22 al 27 aprile 2009.
Esposizione e competizione interattiva relativa all’arte dei nuovi media, dell’animazione e dell’intrattenimento che aspira a diffondere il know-how cinese nel mondo e a favorire l’incontro tra la cultura occidentale ed orientale.

Blog de-jam.com

Bent 2009

Bent 2009: "Bent 2009
The 2009 Bent Festival will take place at The Tank April 16-18, 2009. A full list of participating artists and much more information is coming soon.
The Bent Festival is an annual art and music festival celebrating DIY electronics, hardware hacking, and circuit bending. Each year we invite artists from across the country and around the globe to perform music with their home-made or circuit bent instruments, teach workshops to adults and children alike, create beautiful art installations and to generally come together, face to face, and showcase the state of the art in DIY electronics and circuit bending culture."

Futuresonic 2009

Futuresonic 2009
Art Programme

Urban Festival of Art, Music and Ideas
13-16 May Manchester UK
http://www.futuresonic.com

Futuresonic's 2009 art programme is more ambitious and relevant than ever. Themes include society, technology and the city plus this year Environment 2.0. The exhibition takes place across Manchester and beyond, with the focal point an exhibition at the CUBE gallery.

Kim Abeles (US)
Prayas Abhinav (IN)
Ackroyd & Harvey (UK)
Carlo Buontempo (IT)
Lluis Sabadell Artiga (ES)
Rob Bailey (UK)
Amy Balkin (US)
Mike Bennett (IE)
Jonathan Cohrs (US)
Jonah Brucker-Cohen (US)
Alfie Dennon (UK)
Yara El-Sherbini (UK)
Cleo Evans (UK)
Usman Haque (US)
Drew Hemment (UK)
HeHe (UK/FR)
Aaron Koblin (US)
Megan MacMurray (US)
James Marriott (UK)
Eva Meyer-Keller (DE)
Fujiko Nakaya (JP)
Christian Nold (UK)
Angela Pablo (US)
The Owl Project (UK)
Andrea Polli (US)
Janine Randerson (NZ)
Scenocosme (FR)
Will Schrimshaw (UK)
Royal College of Art & Yamaha
Yuri Suzuki (JP)
Elin Wikström (SE)

CUBE exhibition 13-23 May, opening 5pm on 13 May
All Art exhibitions and events are free
http://www.futuresonic.com/art

Andrei Molodkin

"UK solo exhibition of Russian contemporary artist, Andrei Molodkin. Running until 12 June, as a prelude to Molodkin’s representation of Russia at the next 53rd Venice Biennale, the show will unveil two new monumental installations."

ORELART UK

FT.com / weekend columnists / Peter Aspden - The man with oil in his veins

"Take Care of Yourself"

The Paula Cooper Gallery is pleased to present the first U.S. exhibition of Sophie Calle’s "Take Care of Yourself", a body of work created for the French Pavilion of the 2007 Venice Biennale.

Paula Cooper Gallery

Armenian Pavilion

"Armenia will be taking part in the 53rd International Art Exhibition, known as the Venice Biennale, one of the most prestigious cultural institutions in the world. Ever since its founding in 1895, the Venice Biennale has been on the cutting edge of the art world, promoting new artistic trends and organizing multi­disciplinary international events in the contemporary arts.."

The Armenian Pavilion at La Biennale di Venezia: Armenian Reporter

ACCEA

Biennale de Lyon 2009

Everyday life as art was born in the ’50s with John Cage’s Silence ; between East Coast and West Coast with George Brecht and Allan Kaprow ; with Anna Halprin, Richard Rauschenberg and the Judson Dance Theater ; with Terry Riley and La Monte Young too, and George Maciunas. That was long ago.
In the Western world, spectacle was born with the Greeks and tragedy.
The Renaissance turned it into perspective; and the Situationists, into an ideology. That was long ago. Spectacle and Everyday have set the tempo for civilisation since time immemorial, but today they have become underpinnings of a globalised artistic practice involving exchange, comparison, reciprocal contradiction and reversal of signifiers.
The dazzling success of art biennials in the ’90s, and the way they have swept the planet, have paradoxically helped to flatten particularisms — Edouard Glissant’s isthmuses and archipelagos — and to erode the processes of filiation and transmission. Today, putting aside the mercantile dealings, the aesthetic issues, the syndromes of universality and relativism, problems of centre and periphery, conflicts between cultural eras, and power struggles of every kind and gender, the everyday (“ art and life ”) remains a central question. Spectacle is its economic extension, its finery, its bête noire — and, in a sense, its embodiment.
And so, in today’s life, what time and narrative, in Paul Ricoeur’s sense, are we to construct, if not those of the spectacle of the everyday ?
This is the title of the 10th Biennale de Lyon.

Thierry Raspail
Artistic Director, Biennale de Lyon

Biennale de Lyon 2009 - Accueil Biennale de Lyon 2009

Strangers

"Erwan Frotin
Strangers"

M+B is pleased to announce the first US solo exhibition of color photographs by 30-year-old Swiss and French photographer ERWAN FROTIN in STRANGERS, opening on April 11 and running through May 16. STRANGERS captures the flowers of Hyères (Flora Olbiensis), the dramatic and highly specialized world of plants in the region around the Villa Noailles—known as a birthplace of Surrealism—and pictures them in a fresh and invigorating way with closer ties to portraiture than a biological cataloguing of species His is a contemporary take on the genre of still life, fusing organic and inorganic materials to form unexpected results. In these images, one truly comprehends the flower as the perfect union of form and function.

The flowers of Hyères are magnified and recorded carefully by Frotin’s camera. Only one plant ever occupies the frame, and each individual plant’s colors and shapes are heightened with the use of vividly colored graduated backgrounds that glow and pulse with energy. The recontextualization of the flowers momentarily confounds but then becomes clear to the viewer, evoking a feeling Freud described as “strange strangeness.” Removed from their natural matrix, isolated in an artificial field of color and captured for posterity, Frotin's flowers are the converse of traditional notions of their ephemeral beauty in nature.

A little bit of science mixed with mythology, one sees the influences of H.P. Lovecraft (of whom Frotin is a fan) and Karl Blossfeldt, whose study of flora in his seminal book Urformen der Kunst (The Original Art) was a public benchmark in the appreciation of the art and object of plants. Flora Olbiensis was initiated and sponsored by the Villa Noailles Association and the French Ministry of Culture and Communication. Daunted at first by the scope of the project, Frotin began the series with a walk, and for three years, from 2005 to 2007, Frotin meticulously documented the rare and unexpected specimens. Despite his exhaustive exploration, he muses that perhaps the most beautiful flower is still out there, waiting to be discovered. In documenting this series, Frotin expressed a desire to intervene as little as possible and described his approach as being somewhere between sculpture and photography. Above all, he said, the series is not simply “just some flowers,” but instead, Frotin asks us to view the flowers from the eyes of the soul, so as to ultimately lead us “to a vision of ourselves, through the flower.”

Erwan Frotin graduated from the prestigious L'Ecole Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL) in 2002, with a degree in photography, along with a background in biology and art history. The same year, he was awarded the Photography Grand Prix at the Festival de Hyères, which was quickly followed by his first commission for French Vogue. Since then, Frotin has created exclusive editorials for French Vogue, Vogues Hommes International, The New York Times Magazine, Another Magazine, Paradis and Dazed and Confused. This will be Frotin’s first exhibition with M+B.

Erwan Frotin - M B

Hors pistes 2009

"Du 27 mars au 12 avril 2009, le Centre Pompidou présente, avec le soutien de l'Agence du court métrage, la 4ème édition de HORS PISTES, un autre mouvement des images.

Hors Pistes a pour ambition de fédérer certains territoires du cinéma d'aujourd'hui, particulièrement leurs marges et leurs confins.
Hors Pistes choisit des films qui rencontrent de façon décalée le fantôme de la fiction et se confrontent aux réalités du présent.
Hors Pistes propose un déplacement des regards. "

Centre Pompidou - Hors pistes 2009

Codice spaziale

VELAN centro d’arte contemporanea REGIONE PIEMONTE

COMUNICATO STAMPA

Il 16 aprile 2009, alle ore 19, nello spazio Velan, in Via Modena 52 a Torino, si inaugurerà la mostra personale di

CARLO BERNARDINI

Codice spaziale

La Galleria Velan è lieta di presentare un progetto site-specific di Carlo Bernardini.
Per l’occasione l’artista realizzerà, all’interno dello spazio Velan Centro d’Arte Contemporanea, un’installazione in fibre ottiche e superfici elettroluminescenti. Questi materiali che Carlo Bernardini usa nelle sue grandi installazioni sono la presenza di un segno e contemporaneamente la sua virtualità, una presenza tanto più evidente quanto più invisibile è il suo supporto, e tanto più fisica quanto più è immateriale.
La luce crea un disegno nello spazio, un disegno che cambia secondo i punti di vista e secondo gli spostamenti dello spettatore che si ritrova a vivere dentro l’opera.
Le installazioni sperimentali in fibre ottiche dell’artista cambiano la percezione modificando le coordinate visive dell'ambiente reale; si possono osservare come forme triangolari o romboidali tipiche di un espressionismo libero dello spazio con cui Bernardini opera, disegnando in negativo linee di luce nell'ambiente buio così come su un foglio scuro. L'attenzione dell’artista è rivolta al rapporto dialettico tra la linea e il monocromo, quali momenti diversificati della concezione raffigurativa spazio-luce. La sua ricerca visiva s’incentra oggi sul concetto di trasformazione percettiva dello spazio attraverso opere tese fra dimensione scultorea ed installativa. Le installazioni ambientali creano uno spazio di luce architettonico mentale, incorporeo ma visibile, che cambia totalmente la funzione e la struttura dell’ambiente reale.


CARLO BERNARDINI e` nato a Viterbo nel 1966. Si é diplomato nel 1987 all’Accademia di Belle Arti di Roma. Nel 1997 ha pubblicato il saggio teorico sulla “Divisione dell’unità visiva” edito da Stampa Alternativa. E’ stato invitato a 2 Quadriennali di Roma e a una Triennale di Milano. Opera con la fibra ottica dal 1996; ha realizzato grandi installazioni ambientali esterne in fibre ottiche, e sculture pubbliche permanenti in acciaio inox e fibre ottiche in diverse città italiane. Ha vinto per 2 volte nel 2000 e nel 2005 il premio "Overseas Grantee" della Pollock Krasner Foundation di New York, e nel 2002 il premio Targetti Art Light Collection “White Sculpture”. E’ insegnante di Installazioni Multimediali all’Accademia di Belle Arti di “Brera” a Milano. Vive e lavora a Roma e a Milano. Ha realizzato sculture pubbliche permanenti in acciaio inox e fibre ottiche in diverse città italiane, nel 2003 le grandi sculture presentate temporaneamente a Roma in Piazza del Campidoglio per il Semestre di presidenza italiana nell’Unione Europea, nel 2008 “Light Waves” opera permanente presso l’Aeroporto di Brindisi, grandi installazioni ambientali in fibre ottiche in esterno come a Valencia alla Ciudad De Las Artes Y Las Ciencias, e a Bologna in Piazza S.Stefano per Art First - Fiera di Bologna, a Reggio Emilia ai Chiostri di S.Domenico in occasione della mostra "2000 Anni Luce", a Padova nel 2000 in via Fiume ad angolo con il Palazzo della Ragione per "Accordi di Luce", ad Ancona nel 2001 in Piazza Cavour per “Luci di Ancona” e ancora nel 2008 al Museo d’arte contemporanea di Lissone (MI). Sue mostre personali recenti sono state nel 1998: "Accordi di Luce" Galleria Nazionale della Pilotta, Parma; 1999 Galleria Spaziotemporaneo, Milano; Museo Laboratorio di Arte Contemporanea Università "La Sapienza" Roma; "Light" Galeria Arsenal, Bialystok (Poland); 2000 Galleria L'Isola, Trento; 2001 Galleria Fioretto, Padova; 2002 Sculpture Space, Utica, New York; 2003 Galleria del Naviglio, Milano; Galleria Spaziotemporaneo, Milano; 2004 Museo Passo Imperiale, “Espaço permeável 2004”, Rio De Janeiro; Galleria Milano, Milano; Galleria Bruna Soletti, Milano; Galleria Spazia, Bologna; 2005, Galleria Les Chances de l’Art, Bolzano; Il Sole Arte Contemporanea, Roma; Velan Centro Arte Contemporanea, Torino; 2006 Galleria Milly Pozzi, Como; 2007 Swing Space, LMCC, New York; 2008 Galleria Bruna Soletti, Milano; Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (MI); Castello di Rivara (TO); 2009 Galleria Grossetti Arte Contemporanea, Milano.

www.velancenter.com

Sam Durant

Sam Durant
This Is Freedom?
April 11 – May 16, 2009
Opening reception: Saturday, April 11th, 6 – 8 pm

Blum & Poe is pleased to announce This Is Freedom?, an exhibition of recent work by Los Angeles based artist Sam Durant.

This exhibition will present a new body of Durant’s light box signs and drawings. Looping back on one another, the drawings serve as personalized indexes for the light boxes by illustrating their origins in archive photographs from Aboriginal civil rights protests in Australia and African American and Native American civil rights protests in the United States. The light boxes recontextualize the handmade protest signs found in the photos into the glowing language of commercial signage, their impassioned words now super-sized and immortalized, albeit codified.

Durant often investigates social, historical, and political issues through sculpture, installation, photography, and drawing. He incorporates text and language that is imbued with these histories to find how the meaning is constructed and understood in society. These new signs were originally exhibited at the Sydney Biennial last year and expand on his previous signs, which drew from American civil rights demonstrations. This body highlights the parallels between US and Australian history with their shared colonial past and their oppressed Indigenous populations, and ultimately explores how historical moments can be reinstated, not only positioning one to reflect on the past, but to also to provoke a reinterpretation, and to consider the relevance in the present.

Sam Durant was born in Seattle, and lives and works in Los Angeles. Durant has had several one-person exhibitions, a selection of institutions include the Museum of Contemporary Art, Los Angeles; the Kunstverein Düsseldorf; the Walker Art Center, Minneapolis, MN; and the Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, CT. His work has been included in such group exhibitions as the California Biennial at the Orange County Museum of Art, California (2008); Biennale of Sydney, Sydney, Australia (2008); 8 Bienal de Arte de Panamá, Panama (2008); Freedom at the Hague Sculpture Center in the Netherlands (2008); Unmonumental at the New Museum, New York (2007); the Whitney Museum of American Art Biennial, New York (2004); and the Venice Biennale, Italy (2002). This Is Freedom? marks Durant’s eighth solo exhibition at Blum & Poe.

Blum & Poe - Sam Durant

LORIS CECCHINI: DOTSANDLOOPS

LORIS CECCHINI: DOTSANDLOOPS

5 aprile - 2 agosto 2009

È stata inaugurata sabato 4 aprile alle ore 18 presso il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato la mostra: LORIS CECCHINI: DOTSANDLOOPS.

Curata da Marco Bazzini e Stefano Pezzato, la rassegna si pone come la più completa e dettagliata panoramica sull'attività di Loris Cecchini. La mostra, realizzata in stretta collaborazione con l'artista, si sviluppa entro un articolato e suggestivo percorso appositamente ideato da Cecchini e dai curatori per le sale espositive del Pecci.

A caratterizzare questa straordinaria rassegna, che ripercorre le fasi principali della ricerca artistica dell'autore, interventi ambientali uniti ad un'ampia selezione di fotografie, sculture e installazioni realizzate dalla metà degli anni Novanta ad oggi. Loris Cecchini, da sempre impegnato nell'indagine dell'oggetto e dello spazio, con questa importante personale si afferma quale artista fra i più apprezzati in Italia e all'estero.

La rassegna si apre con una serie di installazioni/ambienti, ovvero, "esercizi di architettura", che sviluppano un'idea del luogo modificandone il rapporto dello spettatore con esso. Si inserisce in questo gruppo di lavori un'enorme griglia volumetrica percorribile che prende ispirazione da Density Spectrum Zone (2002-2004), installazioni ottenute dalla deformazione e concatenazione di elementi in pvc che si sviluppano nello spazio. Il percorso espositivo segue con la nuova versione di Around and Around, paesaggio schematico modellato tridimensionalmente al computer e riprodotto come reticolo prospettico a tromp-l'oeil sulle pareti di una stanza, presentato e realizzato nel 2001 come progetto speciale per la Casa della musica - Sonar di Colle Val d'Elsa.

Per Cecchini l'ideazione e la formazione di "strutture" si articola in una serie di involucri e moduli abitativi intitolati Monologue Patterns: Matrici (2003) costituita da schizzi progettuali realizzati in digitale e intagliati su superfici grigie di pvc e Crisalide (Premio per la giovane arte italiana, 2005), sorta di serra artificiale intesa come zona di interscambio tra organismo naturale e forma architettonica transfigurata. Alla serie Monologue Patterns appartengono anche le Roulottes (2004-2007): oggetti-ambiente trasformati in "veicoli di luce" che proiettano ombre di griglie reticolari o trafori modulari che li ricoprono, oppure in luoghi trasparenti che ospitano al proprio interno piante, libri, oggetti d'affezione praticabili dal pubblico.

La relazione diretta con lo spazio e la passione per la morfologia biologica si manifesta con l'espansione di bolle e la proliferazione di forme organiche, molecolari o artificiali prodotte con metalli e materie plastiche. L'artista realizza la serie dei corpi estrusi in resina che come scheletri (Morphic Resonance, 2004-2007) o elementi familiari all'architettura emergono dalle pareti assumendo l'aspetto surreale di finestre, librerie e termosifoni (Gaps, 2004-2009), oppure si aggrappano alle architetture sotto forma di grandi gonfiabili trasparenti e sospesi nello spazio (Blaublobbing, 2004-2009).

Il percorso espositivo procede con le foto-assemblaggi degli esordi dove, con la fotografia rielaborata al computer, Cecchini crea ambienti fittizi abitati da personaggi reali, abitacoli trasparenti, (No casting, 1997-1999), vedute esterne associate a cromie accese, morfologie fluttuanti di bolle, involucri trasparenti, (Powderscape/Seedscape/Pigmentscape, 2005-2007), modelli 3D di alberi e foto di icebergs ricostruiti in studio con modelli architettonici d'invenzione (The painted distances, 2008 e Sliding constructions and drifting thoutghs, 2008-2009).

Si passa poi alla replica di oggetti, elaborazione di "modelli" virtuali ottenuti manipolando materiale analogico che accostato alle messe in scena spaziali trasfigurano la realtà destabilizzandone la percezione. Nella versione tridimensionale proposta con la serie Stage Evidence (1998-2007), l'artista ironizza sull'idea di "usura dello sguardo".

Su scala ambientale, invece, i "modelli" virtuali acquistano un impatto fortemente scenico facendosi carico della denuncia sociale come in BBBreathless, lavoro presentato alla Biennale di Venezia, nel 2001, costituito da una cella d'isolamento per condannati a morte dotata di un sofisticato sistema di aerazione che imprime alle pareti in gomma un movimento simile alla respirazione, in espansione e contrazione. L'elaborazione di "modelli" virtuali prosegue con Empty walls - Just doors (2006), serie di porte replicate in gomma e installate in modo da formare uno spazio labirintico, quasi sospeso fra senso del mistero e claustrofobia.

Alla più recente ricerca appartengono le installazioni immaginifiche, opere composte da migliaia di moduli in polietilene o acciaio, che fluttuano nello spazio come onde (Morphing Wave, 2005-2007), rimangono sospese come nuvole (Cloudless, 2005-2007) o si stagliano nell'ambiente come concrezioni naturali o minerali (Steelorbitalcocoon, 2007-2009). Realizzate attraverso un laborioso processo di progettazione, fabbricazione e montaggio, queste installazioni evidenziano un complesso impianto tecnico, base di tutta la produzione artistica di Cecchini. Da questi lavori emerge la curiosità dell'autore per i prodotti artificiali e le tecniche di lavorazione, per la chimica e la fisica degli elementi, unitamente alla costante ricerca di un'esperienza diretta con la materia associata a forme di crescita organica e di aggregazione cellulare.

Loris Cecchini
Loris Cecchini è nato a Milano nel 1969. Attualmente vive in Toscana e lavora nello studio di Prato. Fra gli artisti italiani affermati nell'ultimo decennio è uno dei più apprezzati a livello internazionale.
Ha tenuto mostre personali in varie gallerie e in spazi museali come il Centro Gallego de Arte Contemporaneo di Santiago de Compostela (2000), la Fondazione Bandera di Busto Arsizio (2000), il Kunstverein di Heidelberg (2001), la Fondazione Teseco di Pisa (2002), il Museo Casal Solleric di Palma di Maiorca (2004), Quarter di Firenze (2004), il Palais de Tokyo di Parigi (2004, 2006 e 2007), lo Shanghai Duolun MoMA (2006), il PS1 di New York (2006).
Ha partecipato a rassegne prestigiose e numerose mostre collettive fra le quali la XIII Quadrienale di Roma (1999), Video Virtuale - Foto Fictionale al Ludwig Museum di Colonia (1999), Futurama. Arte in Italia 2000 al Centro Pecci di Prato (2000), la Biennale di Taiwan a Taipei (2000), la Biennale di Valencia (2001), la 49^ Biennale di Venezia (2001), Arte all'Arte a Colle Val d'Elsa (2001), Leggerezza al Museo Lenbachhaus Kunstbau di Monaco (2001), Ouverture al Palais de Tokyo di Parigi (2002), De Gustibus al Palazzo delle Papesse di Siena (2002), Orizzonti al Forte Belvedere di Firenze (2003), Le opere e i giorni alla Certosa di Padula (2004), Object versus design al Musée d'art moderne St.Etienne Metropole (2004), Spazi atti al PAC di Milano (2004), Premio per la giovane arte italiana 2004-2005 - Padiglione Venezia alla Biennale di Venezia (2005), la XII Biennale Internazionale di Scultura di Carrara (2006), la VI Biennale di Shanghai (2006), Artempo a Palazzo Fortuny di Venezia (2007), The Freak Show al Musée d'Art Contemporain di Lione (2007), la XV Quadriennale di Roma (2008).

centro per l'arte contemporanea LUIGI PECCI - prato

Diango Hernández

An exhibition of Diango Hernández’s Drawing (Third hand), 2006 will open April 4th at Alexander and Bonin. The work, a set of fifty ink drawings, evolved out of Hernández’s interest in the Polish artist Andrzej Wróblewski (1927 - 1957).

Hernández was drawn to Wróblewski because, in him, he saw a “person confused and affected by a political system: confused because I no longer know how to judge the system that formed me, but at the same time deformed me.” It is the sense of deformity that is directly addressed in Drawing (Third hand). The work specifically references one of Wróblewski’s drawings that shows a man with a third arm protruding from his back. Hernández places the ambiguity of this symbolism within his own context of growing up in Cuba. The fifty drawing are a handmade “mass production”, each one a copy of the previous on pages torn from a 1940s German balance book. Each drawing is made unique by drops of water that serve to dissolve the strict repetition of the drawing.

The artist states: “I don’t wonder what will happen to the political mistakes, because the mistakes are obviously mistakes that are always ready to recur again and again in different guises. The big challenge for each one of us in any case will be to become single drops.”

Diango Hernández began his artistic practice in Cuba in 1994 as a co-founder of Ordo Amoris Cabinet, a group of artists and designers who focused on invented solutions for home design objects to compensate for a permanent shortage of materials and goods.

Born in 1970 in Sancti Spiritus, Cuba, the artist moved to Europe in 2003 and currently lives and works in Düsseldorf. His work was the subject of solo exhibitions at the Kunsthalle, Basel in 2006 and in 2007 at the Neuer Aachener Kunstverein, Aachen. His work was exhibited in the Arsenale as part of the 51st Venice Biennale in 2005, and he exhibited in 2006 at the Biennale of Sydney and the São Paulo Biennial. In April 2009 he will exhibit a solo project at ZONA MACO in Mexico City.

Alexander and Bonin