"AUTRES MESURES"/"OTHER MEASURES"
Looking at the infinitely big and at the infinitely small belongs to the territory of interpretation and refers to the idea that observing stars, a wind turbine or a tiny insect is always an amazement. From this very familiar statement, the matter of scales relations between things, uses and contexts becomes obvious. www.cpif.net
Without beeing exhaustive, the exhibition Autres mesures brings together art pieces taken from diverse contemporary practices, photography in particular, and which modify our experience of scales and proportions. Differents means will be convied, from models to in situ collages, from fixed to animated image, or through a selected movies programmation, to restitute objects from our contemporary imagination according to other measures. Cécile Bourne-Farrell
Galerie du Centre Photographique d'Ile-de-France
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THE WAY HE ALWAYS WANTED IT
March 28 - May 2, 2009
Friedrich Petzel Gallery is pleased to present "The Way He Always Wanted It", an exhibition of new work by Stephen Prina.
THE WAY HE ALWAYS WANTED IT first appeared in Stephen Prina's work as the title of an unrealized sound installation, scored in 1979 for a re-spatialization of Arnold Schönberg's "Sechs kleine Klavierstücke" ("SixLittle Piano Pieces"), 1911, for one thousand eighty-one loudspeakers.
Its next appearance was as a component of Haberdashery, 2002. THE WAY HE ALWAYS WANTED IT II, 2008, is a 35mm film, shot at Ford House, a Bruce Goff-designed home in Aurora, Illinois, with a musical score derived from fragments of music written by Goff before he abandoned music composition at the age of thirty, with the defense that there were fewer great modern architects than composers so that he would have a better chance at leaving his mark as an architect. A place is held for this film in the context of the exhibition by a poster announcing two screenings of it: one at Anthology Film Archives, Monday, March 30, 2009, and one at Harvard Film Archive, May 3, 2009.
THE WAY HE ALWAYS WANTED IT III, 2009--the first video installation Prina will have made since 1976--uses an outtake from the aforementioned film to give body to this work.
THE WAY HE ALWAYS WANTED IT IV, 2009, is an edition of twenty photographs, culled from yet another outtake of the film project, frame enlargements of which have been selected and assembled to encourage close readings of small details.
THE WAY HE ALWAYS WANTED IT V, 2005-09, is a series of watercolors with graphite, made en plein air in Los Angeles, using a retrospective of slogans and linguistic motives from Prina's work--including "It's in our own best interests.", "It was the best he could do at the moment.", "WE REPRESENT OURSELVES TO THE WORLD.", AND "SJP"--as a scaffold of language, functioning
as a pre-existing scheme to which the artist must respond. Blind Painting, No. 3, Fifteen-foot Ceiling or Lower (THE WAY HE ALWAYS WANTED IT/Friedrich Petzel Gallery, New York), 2009, completes the chiasmus, with surplus, upon which this exhibition is built.
Stephen Prina divides his time between Los Angeles, California and Cambridge, Massachusetts where he is a professor at Harvard University. Surveys of his work include "It was the best he could do at the moment," 1992, Museum Boijmans-van Beuningen Rotterdam and "To the People of
Frankfurt am Main: At Least Three Types of Inaccessibility," 2000, Frankfurter Kunstverein; The Second Sentence of Everything I Read Is You, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden andCentro Andaluz de Arte Contemporaeno, Sevilla, 2008. One-person exhibitions have been mounted at Kunsthall Bergen, Art Pace, San Antonio; DAAD Galerie, Berlin; Los Angeles Municipal Gallery;
Museé d'art Moderne et Contemporain, Geneva; P.S.1 Museum, New York; The Power Plant, Toronto; The Renaissance Society at the University of Chicago; University Art Museum, University of California Santa Barbara, as well as in
Cologne, Düsseldorf, London, Paris, Seoul, and Vienna. He has participated in Documenta IX, The Venice Biennale XLIV, 51st Carnegie International, and in exhibitions at Museum of Modern Art, New York, and Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Concerts of his music have been staged in Athens, Beacon, Berlin, Boston, Dijon, Düsseldorf, Frankfurt, Helsinki, Los Angeles, New
York, Osaka, Seoul, Tokyo, and Vienna. He is the recipient of a Guggenheim Fellowship, a Kunstlerhaus Bethanien Philip Morris Kunstförderung, an Engelhard Foundation Fellowship, and National Endowment for the Arts Fellowships. Recordings of his music are available on Drag City, Chicago, and organ of corti, Los Angeles.
Friedrich Petzel Gallery - Stephen Prina
Design for a better life
Design come modo di esprimere e interpretare la creatività e l’immaginazione. Ma anche come strumento per valorizzare, attraverso progetti e iniziative, la capacità di ridefinire la qualità della vita.
Milano è tutto questo. E grazie alla collaborazione tra il Comune e importanti realtà del settore, nasce sul territorio "Design for a Better Life".
Dal 21 al 27 aprile, in occasione del Salone del Mobile e del Fuori Salone, la nostra città diventa capitale del design del terzo millennio. Una concezione nuova per dare spazio ai giovani talenti in un panorama riconosciuto a livello internazionale.
Il Comune di Milano, infatti, vuole promuovere e accelerare un processo già in atto, attraverso il contributo e l’impegno di tutti. Valorizzeremo tutte le iniziative, migliorando anche la mobilità e i servizi cittadini. Un sistema virtuoso nato dal design e che tramite di esso è capace di ridisegnare progetti, relazioni e rapporti per un futuro sostenibile.
COMUNE DI MILANO - Design for a better life
Lapis ludica
Lapis ludica
15 artisti interpretano la matita
Fila - Fabbrica Italiana Lapis e Affini Spa, si impegna, oltre che sul fronte dell'educazione e della promozione della cultura visiva nella didattica, nella valorizzazione delle risorse creative attive sul nostro territorio. Aderendo alla proposta di Sblu_spazioalbello, lo spazio espositivo che a Milano si dedica alla ricerca della bellezza nella contemporaneità, Fila - Fabbrica Italiana Lapis e Affini offre un'opportunità di confronto generazionale e progettuale ad artisti di differenti discipline che si impegnano a progettare un'opera su un tema comune: la matita.
La matita e' un oggetto indiscutibilmente legato alla vita quotidiana, strumento principe di comunicazione e di creatività. Il lapis, in questo caso, e' interpretato dagli artisti invitati secondo la propria poetica: non solo mezzo per fare arte, ma soggetto espressivo che diventa protagonista delle elaborazioni realizzate veicolando nuove emozioni.
Il progetto coinvolge 15 artisti di età e estrazioni progettuali differenti, personaggi noti e di fama consolidata, emergenti e giovani promesse.
Gli artisti sono Adalberto Borioli, Loriana Castano, Patrizia Comand, Jose' Molina e Thula pittori; Grazia Gabbini e Gualtiero Mocenni scultori; Lucio Barbuio graphic designer; Nicola Bettale e Michael Loos fotografi; Paolo Dalponte illustratore; Sugo Design di Andrea Gallo e Nicola Moretti motion designer, Chen Li e Simonetta Ferrante calligrafe, Federica Moretti fashion designer.
Una mostra accessibile, per un vasto pubblico, che invita i visitatori ad avvicinarsi alla molteplicità dell'arte contemporanea.
In mostra catalogo Edizioni Esseblu con prefazione del Professore Stefano Zecchi presente in mostra il 20 aprile.
www.sblu.it
www.fila.it
www.stelline.it
Jiří Thýn
Jiří Thýn
Less
8/4/09 – 6/6/09
"I try to perceive things in the widest possible context, not just as a sum of particulars. I look around me for symbols that inspire other questions, rather than responses, and act as guidelines to a better understanding of my own existence."
h u n t k a s t n e r is pleased to present a solo exhibition by the Prague based artist Jiří Thýn. This new series of work, importantly, brings a close to his earlier series All the Best and Best Before, which he started to work on in 2004. When Thýn exhibited his series All the Best in 2006 at the Josef Sudek Ateliér gallery in Prague, the curator of the exhibit, Ondřej Chrobák, quoted an eminent Prague psychiatrist in the exhibition materials, who said that the stage of young adulthood (defined as the period of your life between leaving school and entering your 30s) brings with it the first serious conflict between idealism and reality. Born in 1977, Jiří Thýn will turn 32 this year.
The exhibition Less, consists of both objects and photographs. The objects include a neon sign of the Czech word není (not), and a large monumental billboard, with letters made from mirrors, of the text ZÁNIK ZAPADU - ZTRACENÝ KONTAKT S VÝCHODEM (FALL OF THE WEST - LOST CONTACT WITH THE EAST). When Thýn uses the word “East” in this work, he isn’t referring to Eastern Europe (that’s history, and the artist is far more interested in the present and the future than the past), but rather the implied downfall of hundreds of years of commonly shared values and a realization of their absence. The large billboard, which claustrophobically looms over everything in the exhibition space, is also a mirror, which invites introspection - it is meant to act as a communicator, a tool to help us better understand ourselves and where we are. The photographic works in the exhibition are also reflective – intuitive yet personal. In the photographic series, entitled So Sad in These Luxurious Times, it is often difficult to see where reality ends and a reflection of reality takes over – for instance in a photograph of the leaves of a tree and their reflection on a mirror tabletop, or the view outside taken through a window. In two other photographs in the exhibition, we see a cherubic little girl, lying naked on a dirty carpet in a derelict room, watching television, and a crystal chandelier in a luxury goods shop window, which begs us to wonder about a society that boasts a quality of life that has never ever before been so good, and yet is far from being universally shared.
Jiří Thýn (1977, Prague) is a member of the newest generation of young contemporary artists in Prague. He graduated from the studio of photography at the Prague Academy of Applied Arts in 2006, with a year at the Prague Academy of Fine Arts studying under Vladimír Skrepl and Jiří Kovanda (2004), and at UIAH in Helsinki, Finland (2005). In addition to his own work, he is also known as a member of the artist group Ladví, active since 2005, working with socially engaged interventions in public spaces – in particular in the large housing district of Ladví in Prague 8, where he lives. Thýn mainly works in the medium of photography, however his work could perhaps be better characterized as installation work, consisting of well thought out compositions made up of a combination of photography, projections, sculpture and interventions. Thýn has been exhibiting since 2000, with solo exhibitions since 2002. In addition to his exhibition at h u n t k a s t n e r , it will also be possible to see his work at the Prague Biennale 4, which opens May 14th in Karlín Hall.
hunt kastner artworks
PARADISE LOST:PERSIA FROM ABOVE
GEORG GERSTER
PARADISE LOST:PERSIA FROM ABOVE
For the first time ever, 29 breathtaking aerial photographs of Persia by award-winning Swiss photographer Georg Gerster, taken in the immediate years before the 1979 Iranian Revolution, will be on exhibition at the Leila Taghinia-Milani Heller Gallery (LTMH) from April 4th through April 21st, 2009. The works were recently compiled in the book, Paradise Lost: Persia From Above, edited by Maryam Sachs and published by Phaidon Press. A book signing will accompany the opening reception, which will take place on Saturday, April 4th from 6 pm to 8 pm.
In the late 1970’s Gerster was granted permission by Her Majesty Empress Farah Pahlavi to record the Persian topography. It was a rare opportunity, resulting in vivid photographs that capture the rich Persian landscapes and city structures that few people outside the country have been able to experience. Once the Revolution broke out, however, Gerster’s plan to produce a book of these photographs was brought to an immediate halt. Nearly thirty years after their execution, the photographs were rediscovered by Maryam Sachs, who, with her stunning vision, finally brought the book project to fruition. She calls the book her “gift to all Persians;” and indeed, the gallery is thrilled to have the opportunity to introduce these photographs to audiences of all generations who are both familiar and unfamiliar with the Persian landscape. “Gerster’s photographs are of enormous historical importance, as they are a magnificent testament to the extraordinary beauty of Persia,” says Leila Taghinia-Milani Heller, owner of the eponymous gallery.
In the introduction to the book Gerster reveals the origin for the photographs: “Flying on business over Iran,” he writes, “I had been struck by the thought that Persia’s natural and cultural landscape was predestined to be viewed from the air.” Indeed Gerster, who is hailed as a pioneer in aerial photography, allows us birds-eye-views that reveal the magnificence of the country’s architectural feats and splendid countryside. Through the photographs, we are able to explore ancient citadels and architectural sites; some, like the historic Persepolis, built thousands of years ago. We are also given the opportunity to view some of Persia’s most magnificent mosques in all of their luminous beauty. While such works reveal the more documentary aspects of Gerster’s works, an undoubtedly artistic approach is present in his landscape views. The abstraction of these works obscures a precise identification and evokes a sense of mystery as to place and location. At the same time, Gerster still presents his audience with photographs that capture the stunning beauty of Persia’s landscapes, especially when seen from above.
Georg Gerster’s career spans over 40 years of aerial photography above 111 countries and six continents. Born in Winterthur, Switzerland in 1928, Georg received his doctorate fromZurich University. Since 1956 he has been a freelance journalist, and has worked on a regular basis for the Neue Zürcher Zeitung and the Washington-based National Geographic.
He has undertaken extensive visits to every part of the world.
http://www.ltmhgallery.com
GersterApril2009.pdf (Oggetto application/pdf)
Young Belgian Painters Award
"In 2009 the non-profit association Jeune Peinture Belge, in collaboration with the Palais des Beaux-Arts, will be presenting a new edition of the Prix de la Jeune Peinture Belge. This prestigious prize has become one of the major references for contemporary art in Belgium.
For the edition of 2009 the jury short-listed the following seven candidates from the approximately two hundred who submitted entries: Nico Dockx, Jeroen Hollander, Robert Kot, Lara Mennes, Caroline Pekle, Els Vermang and Leon Vranken. These artists have been invited to create a new work which will go on show at the Centre for Fine Arts between June 25th and September 13th."
Young Belgian Painters Award
Dialog der Generationen
09. Mai – 21. Juni 2009
Jubiläumsausstellung 30 Jahre Palazzo
Dialog der Generationen
Werke von 30 Künstlerinnen und Künstlern ausgewählt von den Kuratoren und den beteiligten Künstlern verschiedener Generationen
Kuratiert von Dr. Andrea Domesle und Niggi Messerli
Kulturhaus Palazzo
europ'art'09 - Genève
europ’art’09, Salon international d’art de Genève, aura lieu du 22 au 26 avril 2009 dans la Halle 2 de Geneva Palexpo.
La cuvée 2009 marquera la 18ème édition - la première entièrement organisée par Geneva Palexpo et son équipe de professionnels.
Solidement installé sur les bases d’un concept original couronné de succès depuis 1992, europ’art’09 verra l’apparition de signes d’un renouveau tenant compte des desiderata de ses exposants.
Par exemple, un nouvel aménagement des stands optimisant la présentation des œuvres et facilitant la convivialité, l’intensification de la communication, ou encore, et pas des moindres, la mise en place d’un Comité international d’experts garant d’un haut niveau de qualité.
europ’art’09 vise à offrir à un large public un panorama de la création artistique contemporaine, tout en soutenant l’émergence de jeunes artistes au talent prometteur. Dans un esprit d’ouverture, hors des grandes « chapelles » dont le contenu est accessible à un nombre restreint de collectionneurs fortunés.
L’organisation simultanée et parallèle du Salon international du livre et de la presse dans les halles 4 et 5 confère un environnement culturel très favorable, qui attire chaque année quelque 100'000 visiteurs.
La situation de Genève, la plus petite des grandes métropoles au cœur géographique de l’Europe, en fait un carrefour et une plate-forme privilégiés pour les rencontres artistiques.
Geneva Palexpo se réjouit de vous accueillir à europ’art’09.
europ'art'09 - Genève
Arte Da Mangiare
Arte da mangiare è un momento di comunicazione culturale dove gli Artisti usano anche il “cibo” come materia.
L´Associazione muove ed elabora una serie di iniziative mettendole a disposizione di Gallerie d’Arte, Ristoranti, Spazi Culturali, Istituzioni, Aziende che desiderano potenziare il proprio messaggio attraverso l’uso di codici diversi, ma di grande comunicazione.
L´obiettivo di “Arte da mangiare mangiare Arte” è quello di affidare alla creatività di Artisti il compito di ricercare strade sempre diverse e innovative, che possano sollecitare l´attenzione del grande pubblico.
Performance in decline. Gli Artisti invitati espongono una loro opera e presentano un intervento che, ispirato alla loro poetica, sia commestibile, cioè creato usando come materiale il cibo, la sfera alimentare. L’Artista come un sacerdote distribuisce Arte da mangiare al pubblico.
Arte Da Mangiare
Christina Dimitriadis
La z2o Galleria è lieta di presentare l’artista Christina Dimitriadis nella sua prima personale in Italia, intitolata “The Firewalls”.
3 aprile – 16 maggio 2009
A cura di Valentina Ciarallo
In occasione del Freaky Friday 2009 legato a “ROMA The Road to Contemporary Art”, la z2o Galleria | Sara Zanin è lieta di presentare la prima personale in Italia di Christina Dimitriadis, a cura di Valentina Ciarallo, intitolata “The Firewalls”- Berlino 2008-2009.
I temi centrali del lavoro fotografico dell’artista di origine greca sono principalmente soggetti legati al suo ambiente familiare, alla memoria, al tempo dove il rapporto umano è alla base della sua ricerca. Il concetto di identità tra passato, presente e futuro viene accompagnato da quell’intimità e ansietà esistenziale che caratterizza sempre il suo lavoro.
Il progetto “The Firewalls” rappresenta una serie di muri fotografati nella west-end di Berlino, che testimoniano ciò che il passato ha vissuto. Tracce ignorate e dimenticate che emergono dall’ambiente metropolitano di una città in continua evoluzione e cambiamento, dove si decide giornalmente su cosa preservare, distruggere e su cosa ricostruire. Le architetture dei “Firewalls” si inseriscono in quel contesto di monumenti che caratterizzano la città e la memoria collettiva, delle presenze che possono essere percepite anche come spazi vuoti. La galleria diventa una sorta di strada, la stessa dove le facciate dei “Firewalls” si specchiano e si contrappongono ricordando quasi un sentiero cimiteriale pervaso da un senso di oppressione. L’utilizzo di queste immagini serve anche a manifestare l’orrore di un passato oscuro e angusto dove però il futuro rimane ancora sconosciuto. Berlino, la città del XXI secolo si reinventa continuamente e reinventa così la sua storia. Ed è in nome di questa storia che la città rifiuta la sua storicità e ne elimina le tracce. Christina Dimitriadis, nata a Salonicco nel 1967, vive e lavora a Berlino. Ha partecipato a numerose mostre personali e collettive ad Atene, Berlino, Copenhagen, Pechino, Tokio.
Sito internet: www.christinadimitriadis.com
z2o - galleria sara zanin
KunStart 09
KunStart si inserisce in una regione dalla sensibilità artistica rinnovata, già sede dell’ultima biennale europea d’arte contemporanea Manifesta 7 e oggi autentico distretto per il settore grazie ai suoi prestigiosi spazi museali: il Museion di Bolzano, il Mart di Rovereto, la Galleria Civica di Trento e la Kunst Merano Arte di Merano. Un contesto ricco ed effervescente, in cui vanno formandosi nuove generazioni di collezionisti. Ma anche un territorio aperto, plurilingue e multiculturale, che costituisce un privilegiato luogo d’incontro per tanti operatori e appassionati.
KunStart 09 / 2009 | Bozen - Bolzano | Kunst Messe Bozen 2009
assenze/presenze 01 il grande grido.
02-04-2009/23-05-2009
assenze/presenze 01 il grande grido.
Nel terzo dei quattro dialoghi tra Arcadio ed Eftimio in Arcadio o della scultura, di Cesare Brandi, il primo risponde al secondo: “…se nel toccare quella scultura non potrai sentire la pelle elastica e il sangue che scorre, potrai sempre stabilire un’identità fra i muscoli della statua e quelli dell’essere umano: anche ad occhi chiusi li riconosceresti”. L’impossibilità del sentire, l’assenza di una scultura e la presenza di quattro altre che ne pervaderanno il vuoto lasciato da questa, è il tema dell’ideale dialogo che si stabilirà tra il grande grido di Marino Marini e quattro opere di Bruna Esposito, Paola Pivi, Berlinde de Bruyckere e Diego Perrone.
I lavori scelti per dialogare con l’opera di Marini rappresentano quattro artisti, quattro punti di vista, quattro idee diverse di lavoro, di ricerca, che entrando all’interno dello spazio dedicato completamente alla sua scultura possono farci sentire metaforicamente i muscoli, il sangue dell’essere che è all’interno dell’opera.
Il grande grido è un’opera del 1962, periodo in cui Marino Marini aveva già raggiunto fama internazionale; da molti anni il tema del cavallo e cavaliere era, assieme alle Pomone e alla ritrattistica, il fulcro della sua ricerca. Il 1962 è anche un momento nel quale attorno a lui la ricerca di molti artisti è virata verso linguaggi diversi: sono gli anni dell’informale, dell’arte intesa anche come espressione del gesto.
Marini è come intrappolato dentro la sua grande scultura: soffre, attacca la materia, disgrega la forma, fino ad arrivare più avanti negli anni a separare definitivamente cavallo e cavaliere. Per l’artista, le sue sculture rappresentavano anche il tormento degli avvenimenti del secolo scorso, e l’inquietudine dei suoi cavalli aumentava sempre più, stremando il cavaliere fino a fargli perdere il controllo sulla bestia.
La forma e la materia diventano una sorta di prigione delle idee, dove lo strazio della rappresentazione, ma non dell’artista, sempre sereno e fortemente consapevole della propria ricerca, tenta di portare la scultura di Marini verso nuove connotazioni.
Tale processo non investe solo il soggetto, bensì affonda anche nella materia, nei passaggi della realizzazione della scultura, nella meccanica della fusione.
Il lavoro di Berlinde de Bruyckere, Lichaam (Corps) prende allora fisicamente il posto del grande grido, si pone alla presenza dei visitatori come una rielaborazione del tema del cavallo lacerato e disteso, rappresentazione di una sofferenza, di una contorsione della condizione naturale, metafora della morte attualizzata sulle tragedie contemporanee.
Berlinde de Bruyckere innesca così la prima analogia tra Marino e la contemporaneità, esprimendo la voce originaria di un’ideale coro.
L’opera di Diego Perrone,senza titolo, seconda voce, dialoga con il grido attraverso un linguaggio che è quello del processo, del divenire in diversi momenti di un’idea, di un’opera, attraversando sia le fasi concettuali sia quelle legate alla realizzazione dell’opera stessa: in questo caso la riproduzione tridimensionale del processo di fusione. La scultura ci svela le vene e i muscoli della campana, l’estruso della fusione ci rende possibile percepire i passaggi nascosti, il processo fisico che renderà possibile la realizzazione della campana: l’identità tra i muscoli della statua e quelli del corpo umano.
La terza di queste voci è quella di Paola Pivi con Old is gold, una scultura composta da un numero altissimo di lamelle color oro e argento formanti un parallelepipedo apparentemente monolitico ma intrinsecamente frammentato. Questo lavoro di Pivi ci svela uno dei temi centrali della ricerca dell’artista: la ripetizione e la singolarità, creato in questo caso dalla presenza di uguali elementi, singolarmente leggerissimi, come frammenti di un insieme determinanti l’unicità di una scultura: processo intrinseco all’opera e alla ricerca di Marino Marini.
Infine l’assoluto - l’essenza - di una forma condotta ad un singolo punto, dove tutte le direttrici, dove tutte le forze confluiscono: il lavoro di Bruna Esposito, Perla a piombo.
Il filo a piombo indica un punto esatto dove la concentrazione degli elementi convergono, si scaricano a terra, definendo la collocazione delle forze messe in campo e i rapporti stabiliti dai diversi lavori. Il tutto impreziosito ancora una volta da un elemento, la perla, che si ripete, data la somiglianza di una con un’altra, ma che invece singolarmente esprime un’unicità, per definizione irripetibile e irriproducibile.
La presenza di quattro opere di artisti contemporanei vuole essere l’inizio di una serie di dialoghi, dal titolo assenze/presenze, che avvicinano l’arte di diversi periodi a Marino Marini, che nella coerenza di una vita spesa tra pietre e bronzo non ha mai smesso di cercare la sua fonte.
Del resto così è l’arte da sempre: ricerca di un’esperienza possibile, attraverso parole, oggetti, pensieri che divergono dalla realtà o che ci immergono nella realtà che fino a un momento prima non avevamo percepito, visto, sentito.
Assenze\Presenze: il grande grido rimarrà aperta fino al 23 maggio.
Museo Marino Marini
Unlocking an Archive
"Unlocking an Archive: Michael Heizer and Walter de Maria
April 25, 2009 - July 16, 2009
Center for Art + Environment LAB
Drawn entirely from a recent gift of archival materials to the Center for Art + Environment, this exhibition offers the first view of documents, posters and photographs from land artists Michael Heizer and Walter de Maria. Heizer and de Maria are among a handful of artists who pioneered the Earthworks movement of the late 1960s. Both artists created the majority of their early work in Nevada, and while de Maria made his signature sculpture, The Lightning Field, in New Mexico, Heizer remained in central Nevada to work on his mile-long City project, which is still under construction. These extremely rare archives provide a glimpse into how a new artistic vocabulary for the world was shaped in the Nevada desert.
The Museum thanks G. Robert and Joan Deiro for their generous gift of the Deiro Collection to the Center for Art + Environment Archival Collections."
NMA Exhibitions - Unlocking an Archive Michael Heizer and Walter de Maria
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